“Can machines think?” (“¿Pueden pensar las máquinas?”), preguntó Alan Turing, un criptoanalista, informático y matemático británico, en su artículo “Computing Machinery and Intelligence” (“Maquinaria Informática e Inteligencia”, por su traducción al Español), que fue publicado en la revista del Reino Unido Mind, el 1 de octubre de 1950.

De acuerdo con su escrito, Turing plantea la posibilidad de que el hombre pueda instruir y dirigir a las máquinas con la finalidad de que aprendan, comprendan y piensen para resolver problemas al igual que los seres humanos. En otras palabras, este informático británico sentó las bases de lo que actualmente conocemos y llamamos Artificial Intelligence (AI).

A la Inteligencia Artificial (IA), en español, podemos definirla como el campo de estudio y la ciencia dedicada a crear programas informáticos con la finalidad de ejecutar acciones comparables a las que hace la mente humana; también es la capacidad de las computadoras y de los robots para llevar a cabo actividades semejantes a las que realiza el hombre y la mujer.

Al igual que el informático de Reino Unido, hace casi dos años y medio, y a través de un filme, se plantearon de forma implícita dos preguntas, a saber: 1) ¿la inteligencia artificial buscará el reconocimiento debido a su labor?, y 2) ¿podrá atrapar a los seres humanos en sus servidores mediante la digitalización, representando, así, una amenaza para la humanidad? Dicha obra cinematográfica es Space Jam 2: A new legacy.

Space Jam 2: Una nueva era, por su traducción al español, es una película estadounidense de animación, ciencia ficción y comedia, dirigida por el guionista y director norteamericano Malcolm D. Lee, y producida por la productora de Estados Unidos, Warner Bros (WB).

Este filme, que se estrenó el 16 de julio de 2021, cuenta con la participación de las actrices y de los actores Xosha Roquemore, Stephen Kankole, Jalyn Hall, Ceyair J. Wright, Cedric Joe, Lebron James, Sonequa Martin-Green, Harper Leigh Alexander, Khris Davis y Don Cheadle, quienes interpretan a las y los personajes de Shanice James, Lebron James (adolescente), Malik (adolescente), Darius James, Dom James, Lebron James (adulto), Kamiyah James, Xosha James, Malik (adulto) y Al G. Rhythm, respectivamente.

Asimismo, en Space Jam 2: Una nueva era participan, pero en voz de las actrices y de los actores Jeff Bergman: Bugs Bunny, Sam Bigotes y Silvestre; Zendaya: Lola Bunny; Eric Bauza: Elmer Gruñón, El Gallo Claudio, El Pato Lucas, Marvin El Marciano y Porky; Candi Milo: Abuelita; Bob Bergen: Piolín; Gabriel Iglesias: Speedy Gonzales, y Fred Tatasciore: El Demonio de Tasmania.

A lo largo de una hora con 51 minutos, para ser exactos, las espectadoras, los espectadores y les espectadores miramos cómo en las instalaciones de la productora estadounidense Warner Bros (WB), localizadas en Burbank, California, Estados Unidos, de forma específica en su serviverso, o en otras palabras, en su realidad virtual creada por sus ordenadores, una inteligencia artificial, de nombre Al G. Rhythm, idea y ejecuta un plan para conseguir reconocimiento y respeto debido a su labor, porque nadie sabe quién es.

Dicho plan consiste en escanear al basquetbolista norteamericano LeBron James y hacer diferentes proyectos en los que este jugador de basquetbol no mueva ni un dedo. Pero, al citar en la sala de juntas de dicha casa productora de Estados Unidos con el fin de mostrarle la propuesta, la rechaza, no sin antes de que su hijo menor, Dom James, quede asombrado con esta IA y anuncie su deseo de acudir al campamento de videojuegos E3 en lugar del de baloncesto, capricho de su padre, por cierto.

Ante el anuncio, LeBron se enoja, porque su intención era que su hijo menor fuera a dicho campamento, ambos discuten y, al dirigirse a la salida de esta productora, son digitalizados por Al G. Rhythm, quien reta al jugador de basquetbol a un partido para devolverle a Dom sano y salvo, al que manipula a espaldas de su papá, y los dos personajes regresen al mundo real. Con el objetivo de lograrlo, Pete, asistente de esta IA, envía a LeBron al de los Looney Tunes, donde Bugs Bunny le cuenta que sus amigas y amigos fueron engañadas y engañados por Al G. Rhythm, marchándose a distintos mundos de WB.

Así, el jugador de baloncesto y el conejo, dueño de la frase “¿Qué hay de nuevo, viejo?”, se unen para juntar a Abuelita, Elmer Gruñón, El Correcaminos, El Coyote, El Demonio de Tasmania, El Gallo Claudio, El Pato Lucas, Gossamer, Lola Bunny, Piolín, Porky, Sam Bigotes, Silvestre y Speedy González, a jugar el partido y rescatar al hijo menor de LeBron, quien comparte un juego electrónico sobre este deporte, que estaba desarrollando a escondidas de su padre, con dicha IA.

Además de conocer el videojuego diseñado por parte de Dom, Al G. Rhythm roba un escáner también realizado por el hijo menor de este jugador de basquetbol con el objeto de digitalizar, a través de sus teléfonos celulares, a la gente que vaya a observar el partido, incluyendo a la esposa, al hijo mayor y a la hija menor de Lebron, Kamiyah, Darius y Xosha James, respectivamente, adhiriendo, de manera consecuente, más condiciones al trato realizado al inicio.

Cuando la cuenta regresiva del partido de baloncesto acaba, el Escuadrón Toon debe enfrentarse al Escuadrón Goon, compuesto por Arachnneka, Chronos, Dom, The Brow, Wet-Fire y White Mamba, para no ser borrados definitivamente por dicha IA, y que las personas escaneadas vuelvan a sus casas y no permanezcan atrapadas en el serviverso de esta casa productora norteamericana. Sin embargo, el juego electrónico programado por el hijo menor del jugador de basquetbol no es del deporte clásico, sino más bien uno mejorado, con habilidades especiales, potenciadores y puntos por estilo, con los que las y los integrantes del Escuadrón Goon le ganan por mucho al Escuadrón Toon.

Para el final, las y los miembros de los Looney Tunes remontan y superan a sus contrincantes por un punto, siendo ellas mismas y ellos mismos, Al G. Rhythm es posterizado y la gente sale de la realidad virtual de Warner Bros; LeBron y Dom mejoran su relación padre-hijo, y el jugador de baloncesto manda a su hijo menor al campamento de juegos electrónicos E3, no sin antes agradecerles a Bugs Bunny, y a sus amigas y amigos.

Además del tema de la importancia de mantener una buena relación padre-hijo, el filme Space Jam 2: Una nueva era está relacionado con la temática del número nueve de Mediaciones: Revista académica de comunicación del Colegio de Ciencias y Humanidades (CCH), a saber: “Comunicación e inteligencia artificial: Retos y escenarios para el futuro y el presente”.

A pesar de estar en auge y presentes en la vida de la gente en forma de aplicaciones GPS, asistentes virtuales (como Alexa o Siri), atención al cliente automatizada o chatbots, entre otras, tanto los escenarios del presente como del futuro de la inteligencia artificial (IA) son inciertos; en otras palabras, son desconocidos, dudosos, no seguros.

Aunque de nueva cuenta, dicho campo de estudio y ciencia tuvo grandes avances en materia de salud, por ejemplo, al detectar el riesgo de padecer cáncer de pulmón y Parkinson antes de la aparición de los primeros síntomas, a finales de marzo de 2023, más de mil especialistas en IA pidieron detener ésta durante seis meses, como mínimo.

“Los laboratorios desarrollan y ejecutan cerebros digitales cada vez más poderosos; ni siquiera sus creadores los pueden comprender, controlar ni predecir”, afirmaron personajes como el cofundador de Apple, Steve Wozniak, el director de Stability AI, Emad Mostaque, y el empresario sudafricano Elon Musk. “Pueden crear datos erróneos y automatizar los trabajos”, agregaron.

Asimismo, algunas personas han aprovechado y mal empleado a la IA con el fin de elaborar audios, escritos, fotos y videos falsos, tales como del Presidente de México, Andrés Manuel López Obrador (AMLO), del actor, cantante y compositor puertorriqueño Bad Bunny, del grupo estadounidense Jonas Brothers, del intérprete puertorriqueño Luis Miguel, y del Papa Francisco, entre otros. El asunto que se plantea en esta obra cinematográfica, es la búsqueda de reconocimiento y respeto, y también la digitalización del ser humano y su traspaso al servidor, muy de ciencia ficción, pero cuenta con elementos que permiten visualizar su acontecer en un futuro lejano, donde, en efecto, la inteligencia artificial posea su propia inteligencia, valga la redundancia.

Para concluir, es importante que las desarrolladoras y los desarrolladores de IA trabajen con cautela, porque la gente debe usar esta última correctamente y los gobiernos necesitan regularla a través de la expedición de leyes, que ya comienzan a proponerse; todos estos son nuestros retos. Space Jam 2: Una nueva era tiene clasificación B, es apta para adolescentes de 12 años en adelante, y puede verse mediante Prime Video.

“Es hora de que hagan lo que mejor saben hacer”

Ficha Técnica

Título: Space Jam 2: Una nueva era

Dirección: Malcolm D. Lee

Producción: Warner Bros (WB)

Duración: 01 h 51 min

País: Estados Unidos

Año: 2021

En un mundo lleno de desigualdades, guerras, pobreza, hambruna, feminicidios y crímenes de odio para la población LGBTTTIQA+ y un sinfín de incumplimientos de los Derechos Humanos, los movimientos sociales se convierten en una herramienta para exigir una vida más justa y feliz.

Los movimientos sociales son motores de cambio que ayudan a transformar las políticas públicas para un beneficio sociocultural o de cualquier índole, su organización juega un rol importante en la sociedad, porque la construcción de cada movimiento, su identidad y forma de manifestación han cambiado adecuándose a las necesidades histórico-sociales que viven.

Éstos buscan distintos medios para comunicar sus inquietudes y su identidad, así como sumar a más personas que tengan el mismo objetivo y, de esta manera, crear cambios sustanciales; sin embargo, a lo largo de la historia muchos movimientos han sido olvidados, ya sea por no cumplir su objetivo o sólo se han desvanecido por cuestiones políticas.

Para ello, el cine se ha convertido en una memoria viva que nos recuerda aquellas personas y aquellos movimientos que han marcado la diferencia en la sociedad, a través de la lente se han capturado o personificado estos movimientos, sus luchas y sus desenlaces. 

Y en su captura, el documental ha sido un gran aliado para preservar estos acontecimientos que marcaron la historia de la sociedad y la vida de las personas que fueron parte de esas luchas.

Desde el cine

El cine, como medio de comunicación masiva, es un excelente transmisor de mensajes que permite poner en la mira los conflictos que aquejan a una sociedad en específico. Desde el momento en que el documental existió, comenzó a abstraer los conflictos culturales de su nicho para exponerlos en otros espacios y otras miradas que pudieran dar cuenta de ello, y actuar en consecuencia.

La historia no podría ser contada de la misma forma sin considerar al cine como pieza clave, ya sea como centro del conflicto o el big brother que observa todo y quiere darle solución. Gracias al cine documental podemos volver al pasado; revivir momentos históricos que marcaron nuestro presente; indignarnos con aquellas luchas que no encontraron salida; entender nuestro mundo; conmovernos hasta la rabia; reflexionar en lo verdaderamente importante, y conocer otras culturas, otras sociedades. 

El cine permite protestar desde otra trinchera, genera narrativas que permiten el encuentro con el otro, comunica aquello que se oculta a la vista de todas las demás personas; qué mejor que el cine de no ficción para aprehender esos movimientos y dejarlos a la posteridad, porque “el hombre que no conoce su historia está condenado a repetirla” (Jorge Agustín Nicolás Ruiz de Santayana).

Aprovecho para compartirles tres documentales que podrán disfrutar en Netflix (por aquello de la inmediatez):

• Lorena, la de pies ligeros (2019). Es un documental muy inspirador que nos presenta a Lorena Ramírez, la velocista mexicana rarámuri que ha puesto el nombre de México en alto.

• Las tres muertes de Marisela Escobedo (2020). Este documental nos presenta el proceso que vive una mujer para esclarecer el feminicidio de su hija en México.

• La vocera (2020). Esta película de no ficción muestra la campaña de María de Jesús Patricio (Marichuy), la primera mujer indígena que se postuló a la presidencia de México.

Espero puedan darse una vuelta a su sala y disfruten de alguno de estos documentales que, sin duda, nos darán mucho de qué hablar.

Al interior de un cuarto, cuyas paredes son de color blanco, aparece, en primer plano, una mujer con cabello corto a la altura de los hombros, entre castaño y rubio, y suelto, porta lentes, que oscilan entre las formas rectangular y ovalada; viste una blusa y un saco negro.

—Hola, buenas tardes. Mi nombre es Marisela Escobedo Ortiz, madre de Rubí Marisol Fraire Escobedo, y le he perdido el miedo a todo. He perdido el miedo a la muerte, que es lo peor que me podría suceder, he enfrentado a las autoridades, he enfrentado al gobernador, he enfrentado a quien se me ha puesto enfrente, y quiero que mi hija, donde quiera que esté, sepa que la amo, y no voy a dejar de luchar hasta que se le haga justicia…

Así comienza Las tres muertes de Marisela Escobedo, documental dirigido por el fotógrafo, documentalista, director y productor mexicano Carlos Pérez Osorio, producido por las casas productoras de México y estadounidense, Scopio y VICE Studios Latin America, respectivamente.

Dicho filme se estrenó el 14 de octubre de 2020 en la plataforma de streaming norteamericana Netflix; es decir, dos meses y dos días antes del décimo aniversario del asesinato de la enfermera y activista mexicana Marisela Escobedo Ortiz, que aconteció la noche del 16 de diciembre de 2010.

A lo largo del documental Las tres muertes de Marisela Escobedo, que tiene una duración de una hora con 49 minutos, para ser exactos, se muestran las diferentes acciones hechas por esta enfermera nacida en el Estado de Coahuila, ante el feminicidio de Rubí Marisol Fraire Escobedo, que ocurrió en el 2008.

La narración se da a través de distintos testimonios de diversas y diversos familiares, amistades, funcionarias públicas y funcionarios públicos, entre otras y otros, quienes recuerdan a Doña Marisela Escobedo Ortiz y reconstruyen la ardua labor que realizó durante sus últimos años de vida, para encarcelar a Sergio Rafael Barraza Bocanegra, y hacerle justicia a su hija.

Alejandro y Juan Manuel Fraire Escobedo, son hijos de dicha activista, y Blanca Escobedo Ortiz, es su hermana. En relación con estos familiares y a esta familia, atestiguaron sus abogadas y sus abogados: Carlos Spector, Gabino Gómez, Lucha Castro y Ruth Fierro.

Algunas funcionarias públicas y algunos funcionarios públicos fueron Noel Rodríguez, agente del ministerio público, Patricia González, en ese entonces Procuradora General de Justicia del Estado de Chihuahua, quien ejerció ese cargo de 2004 a 2010, y Perla Márquez, defensora pública. Igualmente se sumó a la periodista Patricia Mayorga.

La causa por la que decidí volver a ver y reseñar este documental, es porque se relaciona con el tema de la octava edición de Mediaciones: Revista académica de comunicación del Colegio de Ciencias y Humanidades (CCH): “Comunicación, protesta, y movimientos sociales y culturales”, y porque así como existen múltiples clases de comunicación (intrapersonal, interpersonal, grupal y masiva), la señora Marisela Escobedo Ortiz dio a conocer el caso de Rubí Marisol Fraire Escobedo a niveles local, estatal, nacional e internacional.

Es decir, después de la investigación llevada a cabo por esta enfermera, y del arresto de la expareja de su hija, la también activista, con una fotografía de Rubí Marisol Fraire Escobedo, sus familiares y sus amistades, marcharon durante una semana, antes del juicio de dicho feminicida. Estas actividades consistieron en un conjunto de manifestaciones o concentraciones al aire libre a manera de marcha, en la que las y los manifestantes protestaban contra el feminicidio de la hija de doña Marisela Escobedo Ortiz, en busca de castigo para Sergio Rafael Barraza Bocanegra y de justicia para Rubí Marisol Fraire Escobedo.

A pesar de que la expareja de esta última confesó su crimen, aunque condujo a la policía a donde arrojó el cuerpo golpeado y calcinado de la hija de la enfermera, incluso cuando declararon varias testigas y varios testigos, la jueza Catalina Ochoa, y los jueces Rafael Boudib y Nezahualcóyotl Zúñiga, absolvieron al acusado. Luego de esta decisión, cuya determinación fue, es y seguirá siendo desgarrador por las diferentes reacciones de las y los asistentes al juicio, tanto la activista como su movilización se consolidaron, porque protestaron en Chihuahua y en otros estados de México contra el fallo del tribunal de “justicia”.  

Desafortunada, lamentable y tristemente, doña Marisela Escobedo Ortiz fue asesinada a balazos frente al Palacio de Gobierno de Chihuahua la noche del 16 de diciembre de 2010, por órdenes de Sergio Rafael Barraza Bocanegra, quien era entonces integrante del cártel de Los Zetas y fue abatido en 2012; es decir, no hubo justicia ni para Rubí Marisol Fraire Escobedo y menos para la señora Marisela Escobedo Ortiz.

Aunque su muerte quedó impune, la enfermera y activista Marisela Escobedo Ortiz dejó un gran legado y se convirtió en un referente del movimiento feminista, que se ha estado fortaleciendo en los últimos años, y de manera específica contra los distintos tipos de violencia contra las mujeres.

Finalmente, y a propósito del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, que es cada 25 de noviembre desde hace 23 años, a lo largo del 2022, 59,141 niñas y adolescentes de 0 a 17 años de edad, sufrieron acoso sexual, hostigamiento sexual, violencia familiar, lesiones, trata de personas, violación, homicidio y feminicidio, de acuerdo con el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI). En cuanto a las mujeres de 18 años de edad en adelante, 41.8% sufrió alguna clase de violencia durante su infancia y su adolescencia.

Las tres muertes de Marisela Escobedo está disponible en Netflix y es clasificación B, en otras palabras, apta para adolescentes de 12 años de edad en adelante.

“Los hombres que acostumbran a violentar a las mujeres van a saber que las penas no nomás están plasmadas en un papel”

Ficha técnica:
Título: Las tres muertes de Marisela Escobedo
Dirección: Carlos Pérez Osorio
Producción: Scopio y Vice Studios Latin America
Duración: 1 h 49 min
País: México
Año: 2020

Portada del documental (Fuente: Filmaffinity).

Hoy, más que presentarles alguna reseña de película, quiero compartirles un poco sobre la biografía de una de las mujeres pioneras de la industria cinematográfica y cómo fue casi olvidada por toda una industria internacional, sólo por el hecho de ser mujer; sin embargo, si no fuera por ella, el séptimo arte no se conocería como lo es hoy en día.

Alice Ida Antoinette Guy, francesa nacida el 1 de julio de 1873 en Saint-Mandé, región de la Isla de Francia, mejor conocida como la Región Parisina, fue la primera mujer en crear una película de ficción, visionando al cinematógrafo como una herramienta para plasmar y contar historias a través de la lente, siendo la primera persona en implementar el montaje dentro de las películas, y un poco antes que Georges Méliès.

A lo largo de su vida, Alice Guy creó más de mil películas, comenzando en 1896 con su primera ficción La Fée aux Choux (El hada de los repollos), que era una adaptación de un cuento francés infantil, en que se narra que las niñas nacen de rosas y los niños de repollos, estrenada “unas semanas antes de que Georges Méliès entrara de lleno en el negocio cinematográfico” (Sadurni, 2021), de ahí hasta su última producción de 1918, año también en que la Metro Goldwyn Mayer distribuyó todas sus realizaciones.

En todo ese tiempo, Alice Guy no sólo se dio a la tarea de sentar las bases para lo que hoy se conoce como industria cinematográfica, sino que fue pionera en muchas fases de la producción, desde la adaptación, el guion, la dirección, la edición, la distribución y el casting, entre otras, porque desde el instante en que ella conoció el cinematógrafo, por 1885, en una de las presentaciones de los hermanos Lumière, se dio cuenta de las infinitas posibilidades de contar historias, “pero los Lumière tenían una visión científica, no artística ni comercial de su invento, y en un año otros creadores les adelantaron, empezando a explorar la capacidad del cine de contar historias” (Belinchón, 2017).

En 1906 realizó una de sus películas más ambiciosas, La naissance, la vie et la mort du Christ (El nacimiento, la vida y la muerte de Cristo), producto audiovisual de 33 minutos y 16 segundos, donde Alice Guy refleja la vida de Cristo en capítulos, llevándonos desde su nacimiento hasta la resurrección del personaje principal, contando con la participación de 300 extras, sets preparados para la ambientación de la época y un vestuario pensado para personificar esos momentos.

Un hechizo egipcio

Creadora de su propia casa productora de películas en Estados Unidos, pionera de los procesos de la producción cinematográfica e inventora del montaje –lo que hoy podemos llamar edición–, todo fue insuficiente para Alice Guy, porque el divorcio con su esposo y productor de cine, Herbert Blaché, le costó su reputación, fortuna y el olvido de sus avances para la industria, uno de los Damnatio Memoriae más cercanos a nuestra época.

El Damnatio Memoriae es una expresión que en latín significa “condena de la memoria”, se utilizaba en el imperio Romano, pero también en el Antiguo Egipto, y se trataba de “la destrucción de la imagen de una persona con el objetivo de anular su existencia. Pero no sólo era preciso destruir la imagen, sino también borrar el nombre de la persona, […] pues el nombre era considerado un componente del hombre” (De la Fuente, 2009).

En pocas palabras, el Damnatio Memoriae consistía en borrar de la historia todo registro de la persona, pero en la era de los faraones; esta práctica no sólo se basaba en la eliminación física de los monumentos, los jeroglíficos, las estatuas o la historia narrada, sino que era una magia tan poderosa que buscaba eliminar todo recuerdo de la persona, y algunos faraones que fueron maldecidos con esta magia, son Akhenatón, por haber cambiado el sistema de creencia politeísta a la adoración monoteísta; además de Hatshepsut, la primera faraón, por el hecho de ser mujer y haber quebrantado todas las reglas de su época.

Aunque se han sumado años de olvido, hoy en día se han realizado esfuerzos para otorgar el reconocimiento a todas aquellas mujeres de la historia, que han formado parte importante de lo que somos ahora, muchas de ellas ocultas tras el nombre de una figura paterna, otras tantas arrebatadas de sus logros y reconocimientos, y muchas más obligadas a ceder sus descubrimientos a hombres; sin embargo, el poder de la comunicación nos permite buscar y dar voz a todas aquellas personas que han tratado de ser borradas, y qué mejor que este número de Mediaciones para hacer un recordatorio sobre la importancia de la perspectiva de género en nuestros canales, medios y formatos de comunicación.

Tres películas serán el estandarte que tomarán los adolescentes de la época, porque en ellas se representan sus ideales y se ven claramente encarnados en figuras juveniles: Bonnie y Clyde (1967), de Arthur Penn, se casa con sus ideales de libertad y pensamiento contestatario; El graduado (1967), de Mike Nichols, simboliza su despertar sexual; y Perdidos en la noche (1969), de John Schlesinger, recrea el entorno social hostil en el que ya no confían; esta cinematografía empezó a mostrar una sensibilidad más cercana, no sólo a sus tiempos, sino también a su vida. Con Easy Rider, buscando mi destino (1969), de Denis Hooper, se presentará el balance del hipismo, como drogadicción, despolitización, desvalorización sexual, en fin, el caos para lo políticamente correcto. Por ello, Easy Ryder se convirtió en la película de los adolescentes, cuya historia, personajes y banda sonora le hablaron por primera vez a la nueva generación.

Pero, quizá, la imagen más icónica de las adolescentes en esta década será plasmada por Stanley Kubrick y su mítica Lolita (1962), estelarizada por Sue Lyon y basada en la famosa novela de Vladimir Nabokov de 1958. El argumento que filmó Kubrick cuenta la relación del cuarentón Humbert Humbert con una casi niña (en la novela Lolita tiene 12 años, la censura cinematográfica hizo aumentarle la edad e, incluso, la actriz se ve mayor de sus supuestos catorce años). La incomodidad del tema tiene más aristas: Dolores Haze de ninguna manera es una joven inocente, va planeando el enamoramiento y la manipulación del profesor para escapar de la opresión familiar, muy bien representada a través de la gloriosa actuación de Shelley Winters como la madre castrante. La imagen de la adolescente dotada de malicia y de una voluntad de la búsqueda erótica se replicará en cada década subsiguiente en rostros tan famosos como: Brooke Shields en Niña bonita (1978), de Louis Malle; Barbara Hershey en Boxcar Bertha (1972) y Jodie Foster en Taxi Driver (1976), ambas de Martin Scorsese; Madonna en Desesperadamente buscando a Susana (1985), de Susan Seidelman; Jane March en El amante (1992), de Jean-Jacques Annaud; Dominique Swain en Una pasión prohibida (1997), de Adrian Lyne; Eva Green en Los Soñadores (2003), de Bernardo Bertolucci, y Evan Rachel Wood en A los trece (2003), de Catherine Hardwicke, por mencionar algunas.

Ya en los años setenta, Hollywood buscó entonces directores noveles, con ideas revolucionarias y modernas, gente que compartiera intereses similares a las de los adolescentes de ese momento. Figuran Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas, Paul Schrader, Brian de Palma, Sidney Lumet, Terrence Malick, Oliver Stone y Robert Altman.   

El cine setentero se vuelve crítico, mordaz de las instituciones norteamericanas, de su política exterior intervencionista, de los medios de comunicación como (mal) formadores de la cultura popular, de la avaricia institucional y el poder de la economía como motor de vida. Y es en los jóvenes donde se depositará todo este malestar para ser representado en la pantalla grande. Se construye la imagen del adolescente inconforme, reaccionario y atrevido. Los guerreros (1979), de Walter Hill, los personificará con gran maestría, un grupo de jóvenes, pertenecientes a una pandilla, que tratan de vencer a sus rivales, a la policía y al sistema mismo, con tal de perseguir su propio destino.

En los años ochenta, la mundialización del capitalismo borra la división entre países capitalistas y países “socialistas” formándose cuatro centros de dominación superintegrados: Estados Unidos, Europa occidental, Japón y la, ya desaparecida, URSS. La competencia y la agresividad alcanza al espacio exterior y la electrónica reduce al hombre a un robot y al planeta a una aldea-cárcel reproducida en cada estructura mental del individuo. El cine exacerba el carácter social necesario para los jóvenes: la vida cotidiana como simple violencia. Rocky III (1982), de John Avildsen, y Rambo (1982), de Ted Kotcheff, multiplicadas varias veces; Cobra (1985), de Sylvester Stallone; Clase 84 (1981), de Mark Lester, apenas son un ejemplo ilustrativo. En esa ruta, pero en sentido contrario, Francis Ford Coppola filma La ley de la calle (1983), en busca de una explicación más que una imposición de la violencia.

Sin embargo, la representación del adolescente ochentero por excelencia recaerá en el término Brat Pack, que aparece por primera vez en la historia en junio de 1985, en un artículo de la revista New York escrito por David Blum. En él se habla sobre este nuevo grupo de superestrellas de Hollywood que dominan las pantallas y las mentes de los jóvenes. Ellos son: Rob Lowe, Molly Ringwald, Emilio Estevez, Demi Moore, Anthony Michael Hall, Andrew McCarthy, Judd Nelson y Ally Sheedy: su común denominador era aparecer en cintas como: Se busca novio (1984), El primer año del resto de nuestras vidas (1985), y El club de los cinco (1985), las tres de John Hughes. El nombre, obviamente, hace alusión al Rat Pack, la pandilla que reinaba Las Vegas en los años cincuenta y sesenta comandada por Frank Sinatra, pero con una “B” al principio para formar la palabra Brat (que significa, de forma muy atinada, niño malcriado).

John Hughes supo representar al adolescente de la época, aquel que buscaba las satisfacciones personales, y el éxito profesional y sexual. En contraste con los estudiantes calenturientos de las comedias colegiales como Porky’s (1982), de Bob Clark, los personajes de Hughes parecen atrapados en sus inseguridades e indefiniciones (la raíz de la llamada Generación X). En sus mejores películas, Hughes nos muestra a estos simples adolescentes que arden en sus hogueras cotidianas, que se enfrentan a dilemas domésticos en busca de su identidad y a un futuro lleno de claroscuros. En las menores, mantiene el idealismo y la expectativa de lo que se puede ser en el futuro, todavía sin el abrumo de la cotidianidad adulta, pero respetando el american way of life de Ronald y Nancy Reagan.

En las postrimerías del siglo xxi, la imagen adolescente se verá vigorizada por cintas como American Pie (1999), de Paul Weltz, en que la pérdida de la virginidad es el tópico por excelencia; Election (1999), de Alexander Payne, que pondera la incursión política de los adolescentes desatando una guerra electoral que no le pide nada a las que se suscitan en el mundo de los adultos; Go (1999), comedia negra de Doug Liman, que incluye sexo, drogas y violencia al por mayor, quien la define antes de los créditos como “la celebración de ser adolescente y de la libertad que te da serlo sin mayores consecuencias”; El Diablo metió la mano (1999), de Rodman Flender, la satanización de los adolescentes alcanza su burdo clímax en esta cinta, donde el señor de las tinieblas se apodera de una de las manos de Anton Tobias, un joven de 16 años que, entre otras cosas, es obligado a decapitar a sus padres; La Facultad (1998), de Robert Rodríguez, película de ciencia ficción en la que un extraterrestre asola a una preparatoria de Ohio, y en el inter vemos todos los desfiguros típicos del adolescente posmoderno.

El director Spike Jonze explora, a través de la película Her, varios temas que invitan a una profunda reflexión: la evolución humana junto a la tecnología, la inteligencia artificial, las dificultades de las relaciones, pero, sobre todo, el amor y la soledad. Es una bella cinta que retrata las emociones y que hoy tomo como pretexto para realizar el siguiente texto.

Her. La realidad virtual, realidad de la sociedad

La película es una estupenda reflexión sobre una sociedad en la que el hombre y sus aparatos más cercanos parecen evolucionar, convirtiendo nuestros modos de percibir la realidad en algo confuso y desconocido. En Her se puede ver, más que nunca, la ejemplificación de la metáfora de la “Caverna de Platón”, que nos narra sobre un grupo de hombres prisioneros desde su nacimiento por cadenas que los sujetan del cuello y de las piernas; en esa posición lo único que pueden hacer es mirar hacia el fondo de la caverna alumbrada gracias a la luz de una hoguera. En la pared de la cueva se ven reflejadas las sombras de los objetos que están en el exterior de la caverna y los prisioneros toman como verdad las sombras de dichos objetos que se proyectan en la pared; ellos están condenados a tomar como ciertas todas y cada una de las sombras, ya que no pueden conocer nada de lo que está fuera; qué tanto lo que produce la tecnología es una ilusión digital que tomamos como verdadera sin la posibilidad de conocer la realidad. 

Theodore es un hombre solitario y melancólico que se dedica a escribir cartas de amor en una empresa de servicios digitales, él vende correspondencia personalizada a los clientes que pagan para que un tercero escriba a sus seres queridos lo que sienten. En su trabajo es considerado un excelente empleado, por su forma de plasmar sentimientos de amor, gratitud y esperanza se ha ganado el respeto de sus colegas. Contrario a lo que escribe en las sensibles cartas que sus clientes envían como propias a sus conocidos, Catherine (Rooney Mara), su expareja, decide abandonarlo porque siente que Theodore ha dejado de expresar sus sentimientos, él es incapaz de aceptar su condición y se niega a firmar el divorcio.

Existen algunas investigaciones (Sánchez y Oviedo, 2005; Rial, Golpe, Gómez y Barreiro, 2015; Ruíz, Sánchez y Trujillo, 2016) que tratan de determinar si la gente en verdad desarrolla adicción a los teléfonos celulares, demostrando que los sonidos del teléfono activaban asociaciones auditivas que provocaban señales cerebrales con los patrones clásicos de la adicción. Para darnos una idea de la importancia que damos a estos aparatos, basta ver las mesas de casi cualquier restaurante en el mundo y contar las cabezas de quienes miran sus pantallas móviles en lugar de los rostros de quienes les acompañan.

¿Qué pasa cuando la ilusión se apaga? En la trama de Her, cuando Samantha tiene que desaparecer, el mundo de realidad virtual se derrumba, pero él sobrevive y busca a otro ser humano para pedirle que lo acompañe, escribe una carta de despedida para Catherine, su expareja, donde acepta que los seres humanos son tan complejos que pueden o no estar, porque, aunque estén separados ella será siempre parte de su historia. Al final, Theodore es obligado a dejar su caverna para encontrarse con un mundo incierto, lleno de los estruendosos ruidos del silencio en donde tendrá que reaprender a vivir.

Una película con un lenguaje sencillo, sin las tomas espectaculares y llenas de efectos a las que nos tienen acostumbrados las producciones estadounidenses de ciencia ficción; el director Spike Jonze nos muestra, a través del color, la imagen del amor, de la felicidad, de la soledad, el uso de colores cálidos y suaves en armonía con los momentos felices y las sombras para los días oscuros. No es una película que trate de satanizar la tecnología, sólo pretende retratar las dificultades y contradicciones de los seres humanos, del amor que, en cualquier condición, sigue siendo una evidencia de interacción, no hay nada más real que las interacciones humanas por complejas que sean.  

Para concluir, se podrá afirmar que la forma de relacionarnos está cambiando. ¿Cuál es el peso que le estamos dando a la tecnología para vincularnos con los demás? Necesitamos volver a preguntarnos qué nos convierte en humanos y si estas características se están modificando con la inclusión de los actuales aparatos tecnológicos tan cerca de nuestras vidas.